Вне зоны комфорта: выставки в невыставочных пространствах

Иногда наступает момент, когда художник хочет показать свои работы не только в традиционных выставочных пространствах. Причин для этого несколько. Первая и печальная — музеи и галереи его искусство просто не берут. Вторая и демократичная — художник горит желанием внедриться в окружающую среду, чтобы беспрепятственно познакомиться с новой аудиторией и сделать искусство частью ее повседневной жизни. Третья и эксклюзивная — альтернативные пространства работают в ограниченном режиме, и проекты на таких площадках автоматически ощущаются как элитарные, которые точно хочется посетить. Четвертая и понятная — у художника маленький бюджет, но огромное стремление быть свободным и независимым во всех смыслах.

Как всё начиналось

Альтернативные выставочные пространства появились в США в 1970-е. Так стали называть бывшие помещения, такие как склады или магазины, которые превращались в выставочные или перформативные площадки благодаря усилиям художников. Эти места стали открываться в знак протеста против не только классических музеев, но и галерей, с чьей критикой, в частности, выступал художник и арт-критик Брайан О'Догерти в эссе «Внутри белого куба» (1976). По его словам, в белых стенах искусство изолируется от жизни и лишается силы, а его восприятие становится бестелесным. За несколько лет до выхода эссе, вдохновившись примерно теми же идеями, художники Гордон Матта-Кларк, Кэрол Гудден и Тина Жируар открыли пространство FOOD (1971) — ресторан и одновременно художественный кооператив в тогда еще запущенном Сохо, где художники из движения Fluxus и не только готовили еду для посетителей, превращая кулинарное действо в перформанс. Подобных контркультурных площадок в Америке второй половины ХХ века существовало несколько десятков. Об их деятельности рассказывали на выставках Alternatives in Retrospect: An Historical Overview 1969–1975 куратора Джеки Эппл в Новом музее (1981) и на выставке Alternative Spaces куратора Лин Уоррен в чикагском Музее современного искусства (1984).

В европейских странах ситуация складывалась по-другому. В основном художники захватывали заброшенные здания, превращая их в сквоты. Например, «W139» — это бывший театр в Амстердаме, где в 1979 году поселились художники, выступавшие против замкнутого мира коммерческого искусства и музеев. Или «59 Rivoli» в Париже — сквот в шестиэтажном здании банка. Интересно, что спустя 7 лет существования, правительство легализовало сквот — на тот момент он входил в топ-3 самых посещаемых городских выставочных пространств. В СССР альтернативными выставочными площадками, скромными и тихими, были квартирники и мастерские нонконформистов: барак Оскара Рабина в Лианозово, квартира искусствоведа Ильи Цирлина на Новинском бульваре, мастерская Ильи Кабакова на Сретенке, Лиговка, 97 в Петербурге или Сурикова, 31 в Екатеринбурге.

Сейчас альтернативной площадкой для экспонирования искусства может стать буквально всё, что угодно. Выставками в индустриальных зданиях, библиотеках, барах и ресторанах уже точно никого не удивишь. Но сместив фокус, можно обнаружить, как художники взаимодействуют с другими, неочевидными местами в городе.

Заброшки

От заброшек веет романтикой и опасностью, здесь нелегально можно делать всё, но на короткое время. В 2018 году когда-то наполненное чужой жизнью здание на улице Декабристов, 68В в Екатеринбурге превратилось в стихийную площадку «Бараки». На территории бывшего комплекса нетипового комфортного жилья «Опытстрой», построенного в 1920-х годах для научно-технической интеллигенции города, художники проводили поэтические вечера, расписывали стены лозунгами типа «Капитализм гниет» или «Искусство — это шалость» и, в основном, анонимно показывали работы, созданные из найденных объектов или вдохновленные этим местом, но из новых материалов. На несколько месяцев, до сноса, «Бараки» объединили творческих молодых людей города — в любое время дня здесь всегда кто-нибудь был: создавал новые работы или просто с интересом разглядывал коллективное место созидания и вандализма.

Еще одной «выставочной заброшкой» стал проект Zabroshka в 2023 году, тоже в Екатеринбурге. Бывшее здание железнодорожной станции «Свердловск-Товарный» на один день с разрешения охранника открыло двери для уличных художников, фотографов и музыкантов. Через несколько месяцев проект решили повторить, приумножив число участников и увеличив количество пространств. Так появилась выставка [РЕИНКАРНАЦИЯ] с работами 60 авторов, которых объединила тема «энтропии». Под вечер выставку разогнали чоповцы.

Похожая выставка уличного искусства прошла в 2020 году в секретной заброшке «Запретка» в Лисьем носу Ленинградской области. «Выставка в заброшке — прекрасная практика: не надо ни с кем договариваться, объясняться, искать место в музее», — анонимно рассказывал в интервью один из организаторов выставки. Кирпичное здание с высокими потолками, ранее используемое для военных нужд, в течение трех дней разрисовывалось уличными художниками из Москвы и Санкт-Петербурга: Оззиком, Алексеем Партолой, Максимом Имой и другими.

Подземные переходы и метро

В России мы привыкли, что подземные переходы — это либо территория пустоты, куда вторгаются звуки уличных музыкантов, либо островок странного шопинга, где можно купить носки или съесть пирожок на бегу. В городе Старый Оскол в 2019 году открылась #Free_Gallery, где в отдельно висящих металлических рамах с подсветкой, напоминающих рекламные щиты, выставлялись работы местных художников и фотографов, детские рисунки и совместные проекты со Старооскольскими краеведческим и художественным музеями. Сейчас «Свободная галерея» больше не работает по ряду причин.

В Тбилиси Patara Gallery, где приветствуются любые эксперименты с материалами и медиумами, разместилась в одном из торговых павильонов в подземном переходе. В небольшом (так с грузинского и переводится patara) помещении команда галереи проводит перформансы и персональные выставки молодых современных авторов, которых отбирает, в том числе, по результатам опен-коллов. На сайте галереи указано, что «в отличие от всего остального в жизни, галерея Patara будет существовать вечно».

Другой международный проект в витрине в переходе — первое офлайн-пространство онлайн-галереи Voskhod в Базеле, которое заполняется работами молодых авторов из Восточной Европы, России и Центральной Азии.

Внедрение искусства в метро — давняя европейская практика. С 1970-х стокгольмское метро представляет собой «самую длинную галерею в мире». На многих станциях можно найти муралы, мозаики, скульптуры и инсталляции. Инициатива была обусловлена идеей доступности искусства и беспрепятственного знакомства с ним, даже по пути по делам. Метро Нью-Йорка тоже полно произведений искусства: в 2002 году Вито Аккончи создал работу Wall-Slide в Бронксе, в 2018 году Йоко Оно — мозаику SKY на 72 улице, в 2022 году Джефри Гибсон — инсталляцию из стеклянных панелей I AM A RAINBOW TOO на станции Бульвар Астория.

Билборды

Продвигать искусство с помощью рекламных щитов придумали, конечно, в Америке. В 2005 году Дэвид Моррисон ехал на работу и увидел, как с помощью обоев для рабочего стола тестируется первый в городе Ричмонд диджитал-билборд. Спустя пять лет Моррисон сумел арендовать один рекламный щит на 24 часа, чтобы показать работы тридцати человек, профессиональных художников и любителей. Так появился проект Billboard Art Project, который прекратил свое существование еще в середине 2010-х.

В 2015 году появилась некоммерческая организация SaveArtSpace, которую поддерживают меценаты и волонтеры. За это время команде проекта удалось показать работы 700 художников в 35 американских городах. Каждый сезон SaveArtSpace запускают опен-коллы, где любой художник может предложить свою работу для групповой выставки на определенную тему. Каждый выставочный проект показывают на городских щитах в течение не менее одного месяца.

The Billboard Creative продвигает неограниченный доступ к искусству как «фундаментальное право, а не привилегию». Они размещает работы художников только в Лос-Анджелесе с 2012 года, сотрудничая с культурными институциями и художниками: Фредом Крэем, Джессикой Ланкастер, Спенсером Туником и другими.

Местечки

В этом разделе собраны 5 проектов, которых объединяет еще более нестандартный подход к выбору выставочного пространства. В 2015 году художник Сергей Рожин представил портативную галерею «ЖэБэИ Гэллери», разместившуюся в чемодане. Чемодан Рожин нашел на ЖБИ — в одном из районов Екатеринбурга. В галерее выставлялись работы Сергея Лаушкина, Красил Макара, Ани и Виталия Черепановых, Кирилла Бородина, Алины Глазун. Чемодан с выставками внутри путешествовал из Екатеринбурга в Москву.

Еще одна мобильная галерея современного искусства, но с более долгой историей (с 1995 года), — «Пальто» Александра Петрелли. Художник до сих пор часто посещает вернисажи крупных выставок и распахивает свое пальто перед посетителями, где на подкладке размещено искусство небольшого формата самого Петрелли и других художников.

В «Hum Microgallery» новая выставка открывается каждый месяц. Галерею, по размерам напоминающую почтовый ящик, придумала художница Линн Кронин и установила на одной из улиц в Оттаве в 2022 году. Галерея — часть международного движения миниатюрных пространств для маломасштабных произведений современного искусства, чьи проекты устанавливают более тесную связь между искусством и зрителем за счет неожиданной встречи с искусством.

fastnet — мобильное галерейное пространство в грузовом контейнере, открытое художником Джеймсом Пауэрсом в Нью-Йорке. Площадка трансформируется из студии для живописи в галерею современного искусства в зависимости от места, где находится выставочное пространство.

В 2008 году турецкие художники Нэнси Атакан и Волкан Аслан основали галерею 5533 в бывшем помещении швейной мастерской на территории рынка İMÇ — стамбульского торгового центра в стиле брутализма. 5533 стала местом сотрудничества и обменом опыта, где куратором выставки мог стать не только профессиональный искусствовед, но и владелец чайной, расположенной по соседству.